Культурный флешмоб

Отмечаетесь в комментариях, получаете от меня имя художника, выбираете его картину, которая вам понравилась и публикуете у себя. Давайте повышать свой культурный уровень.)
Прилетело от Bebe Suzie Q: Франсиско Гойя
Итак, мне понравились ОФОРТЫ ИЗ СЕРИИ «БЕДСТВИЯ ВОЙНЫ» Франсиско Гойя (1746-1828). А в особенности это:

И раз уж мы собрались просвещаться, то вот краткая история: краткая история:
Великий испанский художник Франсиско Гойя родился в 1746 году, в деревне Фуэндетос, около Сарагосы. Он был сыном известного в Сарагосе позолотчика.

Гойя начал учиться живописи 14 лет. Однако гораздо больше, чем годы учения, значили для него живые встречи с художниками: знаменитый итальянский живописец Тьеполо, расписывал в это время плафоны дворца в Мадриде. Наиболее сильное влияние оказало на Гойю творчество мастеров XVII века — эпохи расцвета европейской живописи. Не случайно Гойя своими учителями считал природу, Веласкеса и Рембрандта. Впечатления, полученные от произведений великих венецианских мастеров во время путешествия в Италию, завершили художественное образование Гойи.

Все, что художник наблюдал в родной Испании, все, что видел в Италии, он долго вынашивал в себе. В 28 лет он еще «безвестный испанский живописец из Арагона». Но тем ярче и неожиданнее вспыхивает его талант в 1776 году, когда он получает заказ на картины для королевской мануфактуры Санта Барбара. За время с 1775 по 1791 год он создал 60 картонов для гобеленов на сюжеты из народной жизни.

Долгий творческий путь Гойи тесно связан с крупнейшими событиями испанской истории рубежа XVIII — XIX веков. Художник был свидетелем французской революции 1789 года, героической борьбы испанского народа с наполеоновским нашествием, двух испанских революций начала XIX века и реакции во время правления Фердинанда VII. Гойя откликался на все современные ему события. Его искусство, неразрывно связанное с судьбами испанского народа, нельзя рассматривать вне испанской действительности, которая в его картинах и особенно в офортах нашла свое наиболее глубокое, острое и яркое выражение…

…Вторая знаменитая серия офортов Гойи «Бедствия войны» (1808 — 1820) вызвана к жизни подавлением первой испанской революции и последовавшей за ней войной с Наполеоном. В 1807 году войска Наполеона вторглись в Испанию. Годой, королева и наследный принц Фердинанд предали свою страну. В марте 1808 года революционно-настроенная толпа разгромила дворец Годоя. 2 мая началось народное восстание, к вечеру. подавленное французскими войсками. Дикая расправа с побежденными запечатлена Гойей в картине «Расстрел повстанцев в ночь на 3-е мая».

В серии офортов «Бедствия войны» Гойя изобразил борьбу широких масс испанского народа с наполеоновскими войсками, осаду Сарагосы и голод 1811 года. Народ восстал против своих поработителей. Крестьяне шли против регулярных войск Наполеона с ножами, кольями, топорами. Они дрались с исступлением и гневом, отстаивая каждую пядь земли («Со здравым смыслом или без него?»). С такой же яростью дрались женщины. «Они стали, как дикие звери», — говорит Гойя.

Страшной чередой проходят в офортах все ужасы войны: груды трупов, телеги с мертвецами, расстрел повстанцев и насилие над женщинами изображены с ужасающей живостью. «Я видел это!», «Невозможно видеть это!» — такими словами сопровождает Гойя два своих офорта.

Изредка художника посещают светлые образы. В офорте «Какое мужество!» Гойя запечатлел подвиг жительницы Сарагосы, вставшей у орудия, когда все защитники батареи погибли. Художник воплотил в этом образе трогательную нежность облика героини и величие ее подвига…

…Подобно тем, кого он воспевал, Гойя до конца дней сохранил гордый дух независимости, упорство в работе и в жизненной борьбе. Через несколько месяцев после разгрома второй испанской революции (1819 — 1823) и казни ее вождя Риего, Гойя уехал во Францию, в Бордо, куда стекались испанские эмигранты.

В этом городе он и скончался 16 апреля 1828 года. Имя Гойи — художника реалиста, смело выступавшего против реакционных сил современной ему Испании, стало знаменем борьбы испанского народа во время гражданской войны в Испании в 1933 — 1936 годах.

Прилетело от pol_lemura
Джеймс Уистлер
Познакомился с классикой американской живописи благодаря фильму "Бин", где Роуин Аткинсон безбожно совершенствует мать Уистлера плевками, растворителем и ручкой. Я тогда, будучи ребенком, абсолютно серьезно считал, что картина придумана специально для фильма и является чем-то вроде комичного представления высокого общества о ценностях в искусстве. Поэтому теперь картина попадает в мой дневник, как самая известная работа:

Немного о нем:Немного о нем:
удожник Джеймс Макнейл Уистлер родился 10 июля 1834 г. в городе Лоуэлл, штат Массачусетс, в семье военного инженера. Но детство его прошло в России, где его отец, инженер, работал на строительстве железной дороги Санкт-Петербург - Москва. Еще в Америке маленький Джимми выказывал способности к рисованию, и поэтому родители спустя некоторое время после приезда в Россию определили его на учебу в Академию художеств. Через год он был отмечен как один из лучших учеников: в списке "по заслугам" за 1847 год он стоял 28-м (из трехсот).

В 1848 году Джеймс Уистлер возвращается в Америку. Он поступает в Вест-Пойнт и подумывает о военной карьере. Но все же в какой-то момент любовь к искусству одерживает вверх. В 1855 году Уистлер отправляется в Париж, чтобы обучаться живописи. В Париже он посещает мастерскую академического живописца Ш. Глейра, копирует картины в Лувре. Иногда ему удается выставить свои работы в знаменитом парижском «Салоне отверженных». Увлекшись гравюрой, Уистлер в 1858 г. создает свою первую серию офортов -«Двенадцать офортов с натуры». В последующие годы художник продолжает заниматься гравюрой; в период с 1858 по 1863 гг. он создал порядка 80 листов.

В 1859 г., после неудачной попытки выставиться в Салоне, Уистлер уезжает в Лондон, где живет до 1894 г., впрочем, довольно часто выезжая за границу. Поначалу лондонская публика отнеслась к Уистлеру довольно благосклонно. На выставке Королевской академии искусств было показано его полотно «За роялем», отвергнутое в Париже. Однако в последующие годы реакция публики резко меняется. "Я никогда не ожидал увидеть, как самодовольный скоморох осмелится запросить двести гиней за то, что он брызнул краской из горшка в лицо публике", - так отозвался о его работе "Ноктюрн: Падающие огни", выставленной в 1878 году на Гросвенорской выставке, известный английский теоретик искусства Джон Рескин. Статья Рескина была написана в крайне пренебрежительном и даже оскорбительном тоне. Уистлер подал на Рёскина в суд. И хотя художник выиграл процесс, однако судебные издержки полностью разорили его. Нужно сказать, что суд решил дело так, что не удовлетворил ни Рескина, ни Уистлера. Хотя формально дело было решено в пользу последнего, но компенсация за убытки была определена в размере одного фартинга. В мае 1879 года Уистлер был объявлен банкротом, и все его имущество ушло с молотка. От полного разорения Уистлера спасла поездка в Венецию (1879—80 гг.), где он написал несколько работ маслом («Ноктюрн в синем и золотом. Собор Св. Марка в Венеции»), серию офортов — так называемый «Венецианский цикл» («Нищие», «Площадь Св. Марка в Венеции») и около ста пастелей («Нищие. Зима», «Ступеньки»). Эти работы вызвали благосклонную реакцию критики и отчасти восстановили репутацию художника.

Между тем обстановка постепенно меняется. Критики и публика начинают понемногу понимать и ценить новое направление - импрессионизм. Уистлер успешно участвует в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США. В 1884 г. художника приглашают стать членом «Общества английских художников», а через два года избирают его президентом. В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а "Портрет матери" - Лувр, что считалось высшим признанием художника. Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а картина "Ноктюрн: Падающие огни", предмет судебного разбирательства, была продана в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за нее было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).

Одиночество и безысходность - это по нашему. Вижу, парень совсем не заморачивался, просто фильтры поменял и вышло целых две картины

Ноктюрн в сером и золотом. Снег в Челси.

Серо-золотой ноктюрн. Снег в Челси.

В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании. Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть об обиде, нанесенной Рескиным. Он даже написал и издал в 1890 году книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием 'Изящное искусство создавать себе врагов', где собраны материалы судебного разбирательства 1878 года, рецензии и отзывы на произведения Уистлера, а также его ответы на критику и размышления об искусстве.

Уистлер умер 17 июля 1903 года и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы.

Прилетело от DarkPrincess25
Выпросил себе иллюстратора. Сигуте Ах (Sigutė Ach)
Биография живого и здорового художника отыскивается скудно. Поэтому в двух словах: иллюстрирует детские книжки, создает открытки, живет в Литве, учит желающих рисовать акварелью и является желанным гостем на выставках.
Мне понравилась вот такая ночная зарисовка к книге "Амвросий, Муркис и Ангел":

читать дальше

Прилетело от EdwardNigma
Эдвард Мунк

Вряд ли я стал бы поклонником творчества этого художника, но вспомнить такой распространенный мем было полезно:

Но чтобы не быть слишком банальным, добавлю, просвещения ради, жизненную историю и то, что привлекло мое внимание помимо мема.
Мунк и его болезненные картины

Прилетело от Lestrange_Rood
Густав Климт

"Древо жизни"

Один из немногих модерновых живописцев, чья техника мне нравится, потому что нашел в архиве кучерявые деревья и портреты людей в обрамлении то ли веселых пикселей, то ли аппликации в стиле пэчворк

Больше о КлимтеКлимт Густав (Klimt Gustav) (1862-1918), известнейший австрийский живописец. Один из самых ярких представителей стиля модерн. Родился в предместье Вены в семье художника-гравера. Окончил венскую Школу декоративного искусства. Ранние работы художника состояли в основном из больших фресок для театров и были написаны в натуралистическом стиле. В росписях с изображением аллегорических фигур, исполненных Климтом в 1890-1891 годах на сводах большой лестницы Музея истории искусств в Вене, впервые появляются черты, ставшие основными в его творчестве - четкий силуэт и склонность к орнаментализму. После 1898 года работы Густава Климта, приобретают более декоративный, символический аспект.

Густав Климт являлся лидером Венского авангарда рубежа веков. Будучи по преимуществу художником-декоратором, Климт возглавил венское сообщество художников-новаторов «Сецессион» - движение протеста против эстетического консерватизма и морализаторства предыдущего поколения. Лучшими картинами Климта считаются более поздние портреты художника, с их плоскими, незатененными поверхностями, прозрачными, мозаичными цветами и формами, и извилистыми, витиеватыми линиями и образцами. В картинах Климта сочетаются две противоборствующие силы; с одной стороны - это жажда абсолютной свободы в изображении предметов что приводит к игре орнаментальных форм. Эти картины живописца в действительности являются символичными и их надо рассматривать в контексте символизма как выражение недостижимого мира стоящего над временем и реальностью. С другой стороны - это сила восприятия натуры и природы, влияние которой смягчает пышность орнаментальности в картинах Густава Климта. Среди наиболее восхитительных работ художника - панно для «Бургтеатра» в Вене (1888), ряд мозаичных фресок в Pallas Stoclet, богатом частном особняке в Брюсселе. К концу жизни в 1917 году Климт завоевал полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий изобразительных искусств.

Картина Густава Климта «Поцелуй»: на цветочном поле, из орнамента и абстрактных форм вырастает силуэт целующейся пары. В колорите картины преобладает золотой тон с вкраплением ярких пятен полевых цветов и богатого узора одежд. Эротический характер придают сцене чувственные линии, пышный орнамент и пряный колорит - символ роскоши и декадентства. Этот стиль часто называют стилем модерн. Климт написал большое количество портретов, в основном женских, а также мифологические и аллегорические композиции. Эскизы предметов прикладного искусства и мозаик Густава Климта пользовались огромным успехом, однако созданные художником настенные росписи для венского университета вызвали скандал и были сочтены художественными критиками начала двадцатого века «порнографическими». Скончался Густав Климт в 1918 году.

Вот еще какие дивные "Русалки":

Культурный флешмоб

Смотрите также